和朋友一起讨论摄影，总结了一下交谈，下面是精华部分。
罗兰·巴特在《明室》中谈到：“业余爱好者通常被说成是不成熟的艺术家：一个不能或者不愿上升到专业水平的人。但是在摄影活动的领域里却恰恰相反，达到专业顶峰的往往是业余爱好者，离摄影本质最近的却是没有上升到专业水平的人。”这听起来有点别扭，简单地说，真正善于摄影的人并不在意摄影工具本身，而是更关注表达是否有效。业余爱好者则更容易成为工具的专家，而实际情况却可能是，大多数人沦为了工具和技术的奴隶。许多爱好者在技术上通过各种方式做出努力，最终达到了顶峰：使用最先进的相机系统，花费重金从一些职业摄影师那里学习让人眼花缭乱的后期技术。众多爱好者奉行这样的道路，但只有其中一小部分在技术上做到了顶尖。然而，他们留下的作品供人观赏之后，却只能留下“好看”这样简短而乏味的评论，除此之外，别无他物。这种对于技术的执念颇有一种走火入魔的感觉——他们在追求技术的过程中，丢失了初衷。
回到我们对摄影的讨论，在上述的背景中，初学者在刚对摄影产生兴趣但还没入门的时候，时常因为现实问题而焦虑，“学摄影以后能赚到钱吗？”，或者“学摄影有前途吗？”，再或者“学摄影以后能找到工作吗？”。
这些看起来都是合理的焦虑，我自己也曾面临这些问题。几年前，为了维持收支平衡，我曾作为签约摄影师给一些图库供稿。这种工作说白了就是拍摄一些可以作为素材的照片，放在图库的网站出售给出版社、广告公司，或者是报纸杂志。当时比较大的图库主要是Getty Images和Shutterstock，这两个图库我都有供稿，销量好的时候每个月可以获得几百美元甚至上千美元的收入。但是这种工作也相当枯燥，需要绞尽脑汁去思考和寻找具有商业价值的照片素材。而对于照片来说，商业价值就意味着它浅显易懂，意图明确，并且最重要的就是要好看。
如果想要成为一个严肃的创作者，那么就不要指望通过摄影获得回报，也不要指望通过摄影解决问题，摄影不赚钱，也不能拯救世界。拍摄的动机会改变观察和拍摄的方式，一个摄影师在想什么，拍照的目的是什么，都会在作品中暴露出来，很难掩饰。我曾经与一些资深的评论家和策展人交流，发现在这些人的眼中，摄影师的思考方式，拍摄到底有没有走心，以及拍摄的目的都很难隐藏，因为他们在工作中看过无数的照片，自然对各种套路了如指掌。几年之后随着我观片量的增长，我在看一些初学者的作品时也有了类似的感受。
当以不单纯的标准和规则拍照时，很多情感便也被取消了，寄情于景便成了一件困难的事情。到了最后，才发现能让人拍出好照片的其实只有彻底的坦诚。
我们带着各种目的拍照，这些目的也可能是除了金钱、利益以外的，比如流量和关注，为了获得关注而去拍摄一些讨好别人的作品。一旦利益参与了摄影，创作的过程就会趋于追求最大的收益。而在这种背景下，摄影的原始目的就瓦解了。照相机只不过充当了一种生产工具。作为产品的图片就有了很多商品的特性。比如，为了节约成本，同类商品之间的相互模仿，通过模仿甚至是抄袭来降低思考的成本。或是对于“好看”的畸形诉求，通过视觉暴力来捕获观众。最终，通过营销行为来实现最终利益的兑现。其结果就是，大量的重复、冗余而又无效的照片随着时间的推移而堆积起来。这种畸形的创作让我想起龚自珍的《病梅馆记》：或曰：“梅以曲为美，直则无姿；以欹为美，正则无景；以疏为美，密则无态。”固也。此文人画士，心知其意，未可明诏大号以绳天下之梅也；又不可以使天下之民斫直，删密，锄正，以夭梅病梅为业以求钱也。梅之欹之疏之曲，又非蠢蠢求钱之民能以其智力为也。有以文人画士孤癖之隐明告鬻梅者，斫其正，养其旁条；删其密，夭其稚枝；锄其直，遏其生气，以求重价，而江浙之梅皆病。文人画士之祸之烈至此哉！
《海景》系列是杉本博司的代表作，拍摄于1980—2000年。这些由天空、海洋以及海平面构成的画面看起来非常简单，虽然在世界各地拍摄，但是看起来都非常相似，并且总是处在一个稳定的状态中。这种稳定性指向了海洋景观本身的稳定性，我们可以认为这些海景和几万年前的原始人看到的海景是相同的，甚至在未来漫长的时间里，这些海景也不会改变——至少在我们短暂的生命中，它们不会改变。于是，与安塞尔·亚当斯拍摄的那种“过期不候”的风景相比，这种海景就被视作了一种“永恒的”风景，形同人们对于钻石和黄金的热爱。
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